全景观察：人机共生时代，造型艺术教育向何处去？

2026年7月5日，广州美术学院昌岗校区举办了一场主题为“造型艺术与科技媒介”的国际教育研讨会。把来自法国、意大利、日本、奥地利、德国等多国艺术院校的院长、独立策展人、前沿实验艺术家，和国内多所美院的学者聚到了一起，围绕艺术教育、数字策展、生态共域、数字媒介材料这些议题，进行了一整天的跨国界跨学科对话。

当生成式AI几秒钟就能画出一幅作品，当VR/AR让展览形态彻底变了样，当算法渗透到创作的每个环节，传统绘画、雕塑这些造型学科的边界，正在被快速改写。这场研讨会直指行业最核心的那个问题：科技浪潮来了，造型艺术教育的根在哪里？又该怎么拥抱技术，打开新的表达空间？ **守住内核：AI时代艺术教育的“三个根本”** “凡是能教、能练、能反复演练的东西，正在失去它的稀缺性。”广州美术学院院长范勃在开场主旨演讲《具身感知、审美判断、价值立场——人工智能时代造型艺术教育的三个根本》中，直接点明了整个讨论的基调。

广州美术学院院长、教授范勃 在他看来，生成式AI迭代得太快，正在动摇过去一个多世纪以技艺为核心的艺术教育根基。但技术的本质，说到底是对已有经验的复制和优化，不是无中生有地创造。机器停下的地方，正是艺术教育必须守住的三个根本。 第一个是具身感知。“AI是没有身体的，它能调取几个世纪的视觉记忆，但从来没有真正凝视过这个世界。”一个直白的对比：AI处理的是数据，而人是用身体、情感和真实经验去理解世界的。数据可以无限逼近经验，但永远不是经验本身。艺术教育的第一件事，就是保护这种鲜活的感知，别让学生隔着屏幕和算法去感知世界。 第二个是审美判断。AI一秒能生成上千张图，但它分不清哪一张有艺术力量。创作的本质是选择和取舍，背后是对好坏、真伪的判断。这种能力没法加速，没法跳过，更不能交给机器。培养学生独立的审美判断，让ta为自己的每一次创作选择负责，才是AI时代艺术家最核心的竞争力。 第三个是价值立场。价值立场是创作者对世界的根本态度：关心什么、为什么表达、替谁说话。AI能模仿任何立场的表达，但它担不起其中的分量。一件有力量的作品，背后一定站着一个真实的人。艺术教育的深层任务，是帮助学生建立自己的价值坐标，明白自己为什么创作。“技术日新月异，但创作的主体始终是人。”AI开启的是人机共创的关系，不是谁取代谁的对立。 **多元答卷：全球院校的转型实践样本** 技术浪潮下，不同国家的艺术院校走出了不一样的转型路。从理论建构到课程改革，从学科设置到生态搭建，这些案例提供了多元的参考。

法国阿维尼翁高等艺术学院院长伯努瓦・布鲁瓦萨特 法国阿维尼翁高等艺术学院院长伯努瓦・布鲁瓦萨特从符号学视角重新定义了数字的价值。他提出，数字不只是工具，更是一种全新的“符号形式”，它的影响力跟透视法的发明、工业革命一个级别，会从根本上重塑人的感知方式和社会关系。他举了巴黎圣母院数字孪生修复和殖民时期文物数字化保护的例子，指出数字技术虽然能1:1复刻，但也带来人文拷问：修复不能只讲技术，要尊重原生文化的话语权。“数字是工具，更是象征。艺术教育要培养学生的批判性精神，用艺术家的思维驾驭技术，而不是被技术牵着走。”

日本横滨美术大学校长 加藤·良次教授 日本横滨美术大学则走了一条“从基础渗透到专业深耕”的渐进式改革路。校长加藤・良次介绍，依托日本从小学到高中的信息教育普及政策，学校为一年级所有学生开设数字表现课程，建立起数字创作的基础认知。2026年，学校正式设立信息设计专业，配套网页设计、UI/UX、游戏策划等课程，还引入了《最终幻想》策划师等行业一线从业者授课，推进产学合作项目。“信息设计的价值，是提供世界上原本不存在的服务，改变人们的生活。”

中国美术学院跨媒体艺术学院学术委员会主任 管怀宾 国内院校里，中国美术学院跨媒体艺术学院的建设历程很有代表性。学术委员会主任管怀宾回顾，国美从2000年成立国内首个新媒体艺术研究所起步，2010年就整合资源成立了跨媒体艺术学院，提出“从媒体中发掘创意，从技术中彰显人文”的宗旨。学院下设开放媒体系、媒介展演系、实验艺术系，配套五个研究所和国家级实验平台，还有“国际跨媒体艺术节”“感受力论坛”这些学术品牌。教学上采用“半年基础课+三年双向选系”模式，通过柔性引入外部师资、联动社会前沿项目，保持教学内容的鲜活。“跨媒体教育不是教学生用新技术做旧表达，是要重启思想能源，让技术服务于艺术表达和社会思考。”

广州美术学院绘画艺术学院副院长、油画系主任刘可 广州美术学院油画系则构建了“国际共域”的教学生态。绘画艺术学院副院长刘可介绍，学院跳出了传统的“传承式”“碘伏式”模式，转向“艺术机制生产”的路径，让师生成为当代艺术生态的参与者和建设者。课程体系分为观念认知、专业核心、前沿技术、交叉实践四大板块，形成动态平滑的教学系统；配套艺术研究与技术创新、数字艺术科技、材料创作三类实验室，同时搭建了从工作室展廊到6平方米“腾挪空间”，再到顺德、松山湖盒子美术馆的分布式展览网络。国际艺术家不再是短期授课的访客，而是能在国内完成自身创作逻辑的合作者，在真实的艺术机制里跟学生一起成长。 **策展破局：从单向叙事到共建生态** 数字技术不光改变了创作方式，也全面重塑了展览的叙事逻辑和行业生态。从实体展厅到虚拟空间，从策展人独掌话语权到全民参与内容生产，策展行业正在进行一场范式革命。

广州美术学院艺术与人文学院院长 胡斌 广州美术学院艺术与人文学院院长胡斌，以青年艺术家创作生态为切口，梳理了数字媒介带来的三重变化。第一，新媒介展览从边缘走向了主流。从2008年首届国际新媒体艺术三年展，到2024年全国美展首次纳入数字艺术板块，VR、AI生成、互动装置早就成了展览的常客。第二，传统媒介也在回应数字时代。当代绘画里出现的“电子色”，用平滑的屏幕质感呼应数字视觉经验，正是传统媒介对技术时代的自觉回应。第三，传播媒介重构了整个艺术生态。小红书、短视频平台不光是宣传渠道，而是集创作、发布、交易、社群于一体的生产空间。“创作和传播融为一体，甚至传播本身也成了作品的一部分。”胡斌最后抛出了一个终极追问：当AI的“幻觉”堪比人类的说谎，当情绪可以被基因编码，艺术的主体性边界到底在哪里？

国家级人才项目入选者、著名策展人、意大利卡拉拉美术学院教授 法比奥·卡瓦卢奇 意大利策展人法比奥・卡瓦卢奇则从策展史的源头出发，提出了数字策展的全新范式。他追溯现代策展起源于拿破仑时代：启蒙理性之下，策展人像制图师一样为作品分类、设定观展路径、构建权威叙事，观众只是被动的接收者。而早期数字展览大多只是复刻实体展厅，体验生硬单调，根本没有发挥数字媒介的优势。 “数字时代，每个用户都是活跃的个体。”法比奥打造的虚拟现实策展平台“Institution”，构建了一张“持续生长的文化认知地图”。所有艺术品、文章、影像都在虚拟空间里有坐标，主题相近的内容自动聚拢，领域不同的内容自然分隔。平台向经认证的学者开放内容上传权限，所有内容都经过学术审核，既打破了单一策展人的话语垄断，又避免了社交媒体的信息碎片化。“未来的策展人不再是秩序的制定者，而是信息海洋的导航者。策展不再是一次性的静态规划，而是动态生长的共建生态。”

独立国际策展人 顾振清 独立策展人顾振清提出了“双重去中心化”的判断。第一轮是地理去中心化：他在蒙古、埃及、巴西等全球南方国家策展，推动当地艺术家摆脱工艺品创作路径，进入国际当代艺术体系，打破欧美中心的艺术话语。第二轮是物理去中心化，由区块链、AI等技术推动，数字艺术形成了独立体系。哈希值成了数字时代的艺术新材质，算法生成艺术让创作从审美领域延伸到了金融、社交、经济领域。他以艺术家Pak的《吞并》、达明・赫斯特的《货币》为例，说明数字技术正在重新定义艺术的材质、形态和价值逻辑。“面对技术变革，当代艺术需要突破中心化的体制惯性，在去中心化的浪潮里找到新的出口。” **向内溯源：“低科技”创作理念守护主体性** 技术越向前迭代，越需要回到艺术的本原。下午场的研讨会上，几位嘉宾不约而同地在“高技术”语境下提到了“低技术”创作理念的回潮，形成了一组很有意思的观点对照。 广州美术学院特聘教授克劳德・洛蒂埃深耕透视研究30多年，是反向透视理论的核心奠基人，近年主攻VR虚拟空间透视和元宇宙视觉逻辑。现场，他反驳了“透视是一种幻象”的说法。在他看来，透视不是割裂人与世界的发明，而是可以通过身体直接验证的视觉规律。“透视是纯粹的几何抽象，中立且普适，它剥离了文化和情感的附加属性，适用于所有场景和所有观测者，所以它到今天都没有过时。”

广州美术学院特聘教授、国家级人才项目入选者 克劳德·洛蒂埃 华中师范大学美术学院院长郑达带来了“智能体艺术”的前沿实践。他的实验室里，两个AI驱动的机械装置互相观看、互相学习，艺术家从作品的控制者，变成了人机关系的协调者。他提出“低科技（Low Tech）”创作理念，用低成本、易获取的材料自主训练小模型，不依赖商业大模型，最大限度保留创作主体性。针对AI“黑箱”的不可解释性，团队通过极端参数调试、人机协商互动，让AI艺术从“结果审美”转向“过程审美”。他还在教学中推广“Vibe Coding”工作流，借助商业智能体快速生成创作原型，让学生掌握“AI生成-验证-复现-优化”的完整链路。“AI的结果不是答案，是需要被验证的假设。熟练掌握这套方法，一个人就能顶一个小团队。”

华中师范大学美术学院院长 郑达 法国艺术家希里尔・贾顿则把目光投向工业遗产的生态重塑。他带领学生把废弃煤矿筒仓改造成了生态艺术空间：在积水洼地上修建池塘，引入水力装置和水生植物，把曾经消耗能源的工业设施，变成展现能量循环的生态系统；用AI辅助场地分析，让废弃遗址重获生机。他的课堂上，学生不用传统画笔，而是用气候数据作画；用热致变色颜料，让温度升高时显露出干裂的土地纹理；借助热成像技术，呈现人体和环境的热量交换，让肉眼不可见的能量流动变得可视。“技术不只是用来创造奇观的，它可以让生态议题变得可感、可触。”

法国阿维尼翁高等艺术学院教授 希里尔·贾顿

回到绘画本体，湖北美术学院实验艺术学院院长唐骁用一场名为《没有矛盾就没有世界》的展览，回应了技术与艺术的关系。他以海事信号旗为创作媒介——这套前数字时代的编码系统，跟算法共享同一套逻辑：用有限符号的排列组合生成无限意义。唐骁提出，艺术教育者要做引航员，在传统与技术、已知与未知之间导航，而不是给出标准答案。“艺术家是AI时代的语料提供者，如果人类完全依赖AI创作，经过几代迭代，人的独创性就会被慢慢稀释。”

湖北美术学院实验艺术学院院长 唐骁 乌克兰艺术家奥列克西・科瓦尔则从神经科学视角，给出了绘画不可替代的硬核论证。他重新诠释了传统绘画的核心——节奏。他指出，绘画之所以“不自然”却必要，是因为它能保持预测误差的开放，把这种误差传递给观众，带来“超越预期的审美颤栗”，从而产生最强的多巴胺触发。“AI生成的本质还是图像，它可以复刻所有风格，却给不了真正的预测误差。这就是绘画永远不会消亡的原因。”

乌克兰艺术家、湖北美术学院客座教授 奥列克西·科瓦尔 旅居日本的艺术家王晓鸣分享了更有温度的实践。她三十多年坚持用抽象绘画转译古典音乐，自制手工纸张，融入砂、矿物等综合材料，用厚重肌理承载音乐的情绪。2019年，她第一次尝试跨界，把肖邦夜曲的绘画作品做成了VR沉浸式作品《邂逅肖邦》。观众戴上设备，就被笔触、色彩和琴声全方位包裹。现场观众排起长队的场景让她确信：科技可以延伸艺术的疗愈边界。“艺术和科技不用较劲，能‘一拍即合’就好。技术是载体，人的情感和疗愈才是内核。”

艺术家、策展人、日本美术家联盟会员 王晓鸣

奥地利维也纳应用艺术大学教授 卢修斯・伯恩哈德 奥地利维也纳应用艺术大学的卢修斯・伯恩哈德教授，提出了更宏观的“实验室即艺术基础设施”的教学理念。他把数字艺术分为三层：表层是可见的作品，底层是芯片、能源等硬件，中间的平台、协议、规则组成的“编排层”才是核心，却长期被艺术教育忽视。他强调，艺术教育的重点不在于教学生用什么工具，而在于帮他们建立一种“前实验性”的条件和环境——在没有人知道结果会怎样的时候进行探索。“基础设施的规则正在快速固化，在它被完全锁定之前，我们要引导学生参与讨论，保持对技术的批判性治理。” **共识：在矛盾共生中重构教育生态** 全天研讨的两场圆桌论坛，把讨论从实践经验推向了生态建构。围绕产教融合、大规模艺术教育、技术焦虑、人才培养等现实议题，嘉宾们碰撞观点，形成了不少共识。 针对艺术教育向设计教育的转向，嘉宾们普遍认为，艺术和设计不是先后过渡的关系，自古以来就是一体两面。二者的核心差异在于服务场域不同，但底层逻辑相通，都需要构建有效的知识系统，回应真实的社会问题。设计教育尤其要避免闭门造车，深度对接产业一线，让创作在真实场景里接受检验。

圆桌论坛 针对国内八大美院“万人美院”的大规模教育难题，广州美术学院教务部部长涂渊介绍了“大通识教学改革”的探索：本科一年级打破专业壁垒，以“6+2”课程体系完成价值启蒙、创造力启蒙、数字通识与社会调研，培养学生的整体性认知。嘉宾们一致认为，大规模教育更要守住批判性思维的培养，不能陷入技术工具的流水线教学；同时要搭建更多真实实践场景，让学生在问题中学习，在项目中成长。 针对普遍存在的“技术焦虑”，嘉宾们给出了共同的答案：用AI工具不需要有耻感，真正的核心竞争力，从来不是会不会用某个软件，而是具身的独特体验、独立的审美判断、系统的价值表达。技术普及拓展了艺术的边界，却不会消解专业艺术家的价值。 研讨会最后，广州美术学院绘画艺术学院院长郭祖昌在闭幕致辞中总结道：“科技媒介对造型艺术的重塑，不是简单的工具升级，而是认识论层面的深层重构。越是外部变化剧烈，内在的坚守越珍贵。” 这场研讨会没有给出唯一的标准答案，但勾勒出了清晰的方向：艺术和科技不是对立的两端，而是在碰撞、矛盾、共生中，共同拓展人性的边界。当画笔遇见算法，当画布延伸向屏幕，最终的落点，永远是那个会凝视、会思考、会为世界动情的人。 **刘可（广州美术学院绘画艺术学院副院长、油画系主任） 以“共域”生态，打开数字时代艺术教育的新可能** 研讨会举办期间，广州美术学院绘画艺术学院副院长兼油画系主任刘可接受了专访，围绕数字时代的艺术教育转型、国际合作落地路径等核心话题，分享了广美油画系的实践探索与行业思考。 **问：这次研讨会选择在2026年发起，核心初衷是什么？想回应国内艺术高等教育哪些亟待回答的问题？** 刘可：这次研讨会源于筹建“国际共域”工作室过程中的一个重要步骤。我们希望把研讨会作为一种学术机制，跟展览、工作坊、日常教学等形成联动，把全球范围内各领域深耕一线的实践型艺术家和学者整合进来，让优质教学资源真正落地学院，系统性地重塑未来的教学模式。 到场的嘉宾大多跟我们有长期、持续的合作基础，其中包含两位国家级人才项目特聘教授，合作形式覆盖展览策划、工作坊教学、美术馆项目等多个维度。把这些顶尖学者集中起来，核心目标就是推动教学体系的迭代升级。 当下国内艺术教育面对数字技术浪潮，整体还是偏被动应对，缺少主动建构的意识跟能力。而这些国际学者都形成了适配数字时代的完整思想逻辑，能给我们提供更深层的参照。我们希望借由国际合作诞生一个崭新的群体，它既不复刻西方已有的模式，也不守着国内现有的路径，而是想通过不同体系的交错，生成一种新的艺术与思想生产机制，建构属于未来的艺术现场，而不是停留在对已有艺术产品的复制。 **问：研讨会上，法国阿维尼翁高等美院的文物修复案例、日本横滨美术大学的应用设计教学等不同面向的实践，给你带来了哪些启发？** 刘可：我们跟阿维尼翁高等美院的合作已经有20年了。这次他们分享的“创造性修复”理念，对我启发很大。国内当下谈论的修复更多停留在技术层面，讨论怎么把物件恢复原貌；但他们的修复逻辑是先追问“为什么要修复”——人的精力是有限的，修复必须能产生新的价值，而这种价值必然诞生于对现有模式的批判之上。 再比如卢修斯・伯恩哈德教授的分享，他引导我们思考：在创作的表层形态跟底层本质之间，创作者真正要把握的是什么？核心是先想清楚什么是有价值的事，带着清晰的问题意识出发，才能触碰到真实的问题，产生真实的行动力。长期跟这些国际学者合作的过程，也是我不断调整自身认知、推动教育与创作革新的过程。他们的价值不在于提供现成的答案，而在于帮我们建立更深入的思考方式。 **问：当前AI、VR等数字技术快速渗透艺术创作，不少艺术院校都开设相关专业。在你看来，科技怎么重塑了艺术人才培养的底层逻辑？广美油画系在课程和培养方案上做了哪些转型探索？** 刘可：我始终认为，基础层面的技术操作不是艺术院校的核心教学内容。数字工具就像手机、电脑一样，使用者在日常应用中自然就能掌握，就像当年没人专门教大家用手机，但所有人都能快速适应。如果把基础技术教学当成核心，反而会消解艺术学院的真正价值。 技术只是表达的基础语言，就像诗歌的魅力从来不是因为单个词汇优美，而是词汇在语境中形成的整体张力。真正的艺术价值，是在特定语境下创造新的生活情境、塑造新的感官生活。 这里可以用照相机发明的历史作类比。摄影术出现后，创作者大致分成三类：第一类是“画照相机”，单纯描摹技术带来的新视觉，这类创作者最终大多被淹没；第二类是“用照相机辅助画画”，比如法国19世纪末艺术家德加借助摄影捕捉人物形态，技术只是辅助工具；第三类是“用摄影的观念去创作”，比如印象派，他们借由摄影重构了观看方式，最终开创了一个全新的艺术时代。 今天面对AI，逻辑是完全一样的。我们不反对技术，但要建立批判性的关联。广美一年级课程已经纳入了数字生成相关内容，但我们的导向不是教学生怎么用工具生成画面，而是引导他们思考：如何借由AI的逻辑，去创造下一轮新的生活方式与语义结构。 AI的出现，让简单的复制性创作彻底失去了价值。一个现成的语境，几秒内就能被复制无数次。所以艺术家的核心价值，就是不生产冗余、不做重复复制，而是在整体的社会结构、语义结构中做创造者。这也是我们人才培养最核心的转向。 **问：这次研讨会搭建了中外艺术教育的对话桥梁，未来广美会不会依托交流成果，落地国际联合教研、师生交换、联合创作等项目？怎么把研讨的思想成果转化为可落地的教学改革方案？** 刘可：其实这场研讨会本身，就是我们已有国际合作体系的一部分。比如卢修斯・伯恩哈德教授的展览，目前正在我们运营的松山湖盒子美术馆展出；乌克兰艺术家奥列克西・科瓦尔的个展，也计划于今年12月亮相。 这些国际学者不是以“知识传授者”的身份短暂到访，而是把中国作为自身的创作语境，真实地在地工作、在地创作。只有深度融入同一个创作系统，才能产出真实、有价值的成果，而不是单向的援助或灌输。 我们最终要构建的是“生态共域”：整个系统是动态发展的，既带动师生个体的成长，个体的创作也会反哺系统，形成良性的机制生产。任何成功的教育，本质都是模式与观念的成功；只有模式成立，每个身处其中的人——从学生到老师才能找到属于自己的创作路径，持续激发创造力。 未来我们会持续推进联合教研、驻留创作、展览联动等多元合作。我一直认为，今天的创作者都是“超级个体”，个体之间的资源差异，恰恰是合作的基础。过去我们缺资源，后来有了资源但缺认知，现在认知、资金、平台等条件都已经具备，完全有条件把全球顶尖的学者吸引进来，让前沿的创作与教学语境持续在广美发生，让广美跟全世界这些知名艺术院校并肩、形成自身的国际影响力。 衡量一所院校的行业地位，从来不是看规模和人数，而是看你做成了什么事，在行业生态里有怎样的影响力，创造了哪些新的东西。站在更长的时间维度看，我们正在创造一段具体的历史。艺术的活力永远来自差异：要和过去不同，要在未知中生成新的确定，在确定中保持怀疑，在怀疑中完成解构，再在解构中持续推进。只有不断打破固化，才能保持强大的生命力。 **问：广美扎根岭南文化土壤，你认为应该怎么依托在地文化语境，走出艺术教育的独特发展路径？** 刘可：我在广东生活了30年，在我看来，岭南文化最核心的特质从来不是某种固化的地域风格，而是包容之下的生动性。同一片土壤里，极其保守跟极其先锋的状态可以同时存在，大家尊重彼此的选择，这种多元共生的力量，远比僵化的文化惯性更有生命力。 到了今天，“环境决定论”的影响已经越来越弱。交通和资讯的高度发达，让地域的边界被淡化了。艺术家不管相隔多远，只要认知相近就能形成紧密的联结。认知共识才是一个系统成立的核心基础。我们今天搭建“国际共域”的教学体系，本质就是在推动新的认知共识下的生态建设。 学校本身是相对安稳的环境，很容易滋生固步自封的倾向。所以我们会主动去消解系统内的冗余和僵化，保持开放的姿态。岭南文化的包容底色，恰恰是我们做这件事的天然土壤。